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La Vie En Raw Cafe: Im La Vie En Raw gibt es nicht nur Rosen

La Vie En Raw Cafe: Im La Vie En Raw gibt es nicht nur Rosen


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Auf halbem Weg zwischen der Florida International University und der Innenstadt von Miami befindet sich in einem unscheinbaren Einkaufszentrum das La Vie en Raw Cafe. Das Ambiente ist intim und künstlerisch, mit ein paar kleinen Tischen (die Restaurantkapazität könnte nicht mehr als 20 betragen), die Wände sind mit Werken lokaler Künstler geschmückt. Die kleine Küche ist geöffnet und Sie können sehen, wie Ihr Essen zubereitet wird.

Ich kam an einem Freitagabend um 9:30 Uhr mit einem Freund an und erwartete, dass die am Telefon beschriebenen voll besetzten Plätze den ganzen Raum einnehmen würden. Das Restaurant war für seine Größe voll, aber eine Kellnerin kam erst nach weiteren zehn Minuten, nachdem wir uns gesetzt hatten. Wir bestellten Limonade (frisch gepresster Zitronensaft, Agavennektar und gefiltertes Wasser; 3 Dollar) und eisgekühlten Minztee (2 Dollar) und bekamen erst nach Erhalt unserer Getränke (weitere zehn Minuten) mitgeteilt, dass das Restaurant kein Eis mehr hatte. Warme Limonade ist eine unangenehme Wahl und ich wünschte, wir wären früher informiert worden.

Die gefüllten Champignons ("marinierte Champignons gefüllt mit unserem cremigen Cashewnusskäse garniert mit Pesto"; 7 $) wurden als Vorspeise bestellt und waren eine würzige Einführung in die Rohkost. Die Pilze waren fleischig und saftig, während der Cashewnusskäse von der Textur her an Ricotta erinnerte. Das Pesto war knoblauchartig und gut ausbalanciert zum Rest der mundgerechten Champignons und Cashewnusskäse.

Ich bestellte auch die rohe Suppe des Tages (4 $, Tasse), die ein Püree aus Avocado, Sellerie, Olivenöl und anderen verschiedenen Aromen war. Der erste Eindruck der Suppe war, dass sie cremig und leicht war, mit dem Geschmack von Sellerie, der dem Ganzen ein wenig grünen Auftrieb verleiht. Das Gericht war jedoch ziemlich flach und langweilig, als ich es weiter aß. Ich habe nur Avocado, Sellerie und Olivenöl wirklich probiert und es wurde schwer und fast süß schmeckend, als ich es weiter aß. Ein bisschen Hitze von Chiliöl oder Knoblauch hätte dem Gericht sehr gut getan.

Meine Vorspeise war eine andere Geschichte und bot überraschende Tiefe und Entdeckung. Die rohe Pisa Pizza ("serviert auf unserem hausgemachten Lein- und Sonnenblumenkern-Zwiebelbrot, geschichtet mit Nusskäse, Marinara, Pilzen, Tomaten, Spinat"; 8 US-Dollar bot Abwechslung in Textur und Geschmack. Trotz der geringen Größe der Pizza war das Leinsamenbrot dicht, aber knusprig mit Leinsamen- und Sonnenblumenkernen. Auch die Zwiebel fügte etwas Süße hinzu. Der Nusskäse machte einen weiteren spektakulären Auftritt und ersetzte den manchmal rubinroten (und völlig nicht veganen) Mozzerella, der auf einigen Pizzerien-Monstrositäten zu finden ist. Die Marinara war etwas zu vergessen, aber die Zugabe von frisch geschnittenen Tomaten, Pilzen und Spinat fügte dem Gericht Süße, Erdigkeit und Lebendigkeit hinzu.

La Vie en Raw hat Potenzial, aber fleckiger Service und eine sehr flache Suppe, die von einer aufschlussreicheren und aufregenderen Erfahrung für Kenner und Fremde der rohen Küche gleichermaßen weggenommen werden sollte.


Das Leben ist rosa (Film)

das Leben ist rosa (buchstäblich Leben in Rosa, Französische Aussprache: ​ [la vi ɑ̃ ʁoz] [Anmerkung 1] Französisch: La Môme) [Anm. 2] ist ein biografischer Musikfilm aus dem Jahr 2007 über das Leben der französischen Sängerin Édith Piaf. Der Film wurde von Olivier Dahan mitgeschrieben und inszeniert und spielt Marion Cotillard als Piaf. Der britische und US-amerikanische Titel das Leben ist rosa stammt aus Piafs Signature-Song. Der Film ist eine internationale Koproduktion zwischen Frankreich, Tschechien und Großbritannien.

  • 8. Februar 2007 ( 2007-02-08 ) (Berlin)
  • 14. Februar 2007 ( 2007-02-14 ) (Frankreich)
  • 14. Juni 2007 ( 2007-06-14 ) (Tschechische Republik)
  • 22. Juni 2007 ( 2007-06-22 ) (Großbritannien)

Cotillards Leistung wurde von der Kritik gelobt und brachte ihr mehrere Auszeichnungen ein, darunter den Oscar für die beste Hauptdarstellerin – das war das erste Mal, dass ein Oscar für eine französischsprachige Rolle vergeben wurde – den BAFTA-Preis für die beste Hauptdarstellerin, den Golden Globe Award für Beste Hauptdarstellerin – Filmmusik oder Komödie und den César Award als beste Hauptdarstellerin. Der Film gewann auch den Oscar für das beste Make-up, den BAFTA Award für das beste Make-up, Kostümdesign, Filmmusik, vier weitere César Awards und spielte weltweit 86,3 Millionen US-Dollar ein.


1. Salatim in Saba

Alon Shayas kürzlich eröffnetes israelisches Restaurant Saba hat viel zu lieben: auf Bestellung zubereitete Pita, wahnsinnig dekadente Hummusplatten und Salatim. Was ist das, fragen Sie? Es ist die Gelegenheit, mehrere kleine Gerichte mit großem Geschmack und Frische zu probieren – drei für 21 US-Dollar oder fünf für 35 US-Dollar. Obwohl sich die Auswahl saisonal ändert, liefern Hauptprodukte wie mit Harissa marinierte Oliven, Labneh, eingelegtes Gemüse, rote Trauben mit eingelegten Zwiebeln und Pinienkernen und Tabouleh immer. Sie sind alle kalte Dips und Gerichte, so dass sie bei der Hitze schön untergehen.


Kompilationsalben von Buddha Bar

Das Kompilationsalben von Buddha Bar sind eine viel beachtete Reihe von Compilation-Alben, die vom Bar-, Restaurant- und Hotel-Franchise Buddha Bar herausgegeben wurden und von dem Gastronom Raymond Visan und dem DJ und Innenarchitekten Claude Challe [1] in Paris, Frankreich, erstellt wurden. Nach ihrer Gründung wurde die Buddha Bar "zu einer Referenz unter ausländischen Yuppies und wohlhabenden Touristen, die die Stadt besuchten", [1] und "hat zahlreiche Nachahmer hervorgebracht", [2] wurde unter anderem wegen der Wahl des DJs für eklektische, avantgardistische Garde-Musik. Es wurde international bekannt durch die Herausgabe beliebter Kompilationen von Lounge-, Chill-out- und Weltmusik, auch unter der Marke Buddha Bar, veröffentlicht von George V Records. Buddha Bar begann 1999 mit der Herausgabe von Compilations und hat sich seitdem "mit seinen Zen-Lounge-Musik-CDs einen Namen gemacht und bleibt ein Hit – vor allem bei Touristen". [3]

Im Jahr 2001, a Billboard-Magazin Kritiker platzierten die Compilation in seinen "Top Ten" Musik-Events des Jahres und sagte von Inhaber Claude Challe, dass "[d]er legendärer Meister der Pop- und Tanzmusik in Frankreich mit dieser Serie die Aufmerksamkeit der globalen Chill-Out-Community geweckt hat" gemischter Compilations" und schlussfolgerte, dass "Buddha Bar nicht nur ein gutes Restaurant in Frankreich ist, sondern auch eines der besten Musikexperimente Frankreichs in den letzten Jahren". [4] Kritischer ist die Oxford Handbook of Music Revival beschreibt die Musik der Sammlung Buddha Bar als „nahe an Muzak-ähnlichen Mischungen ohne erkennbare Originalbestandteile noch klar identifizierbare neue Strukturen“. [5] Ein anderer Kommentator schrieb:

Challe kündigte 1993 seine Partnerschaft und kehrte nach Paris zurück, wo er anschließend die international gefeierte Buddha Bar eröffnete. . Ähnlich wie im Café del Mar veröffentlichte Buddha Bar auch CD-Compilations mit "Lounge", "World"-Musik, ein erfolgreiches Unternehmen, das die auffallenden Ungleichheiten nahelegt, die mit der Kommodifizierung von Kunst der Dritten Welt verbunden sind: Während Kassetten des pakistanischen Sängers Nusrat Ali Khan in Indien für etwa 1 US-Dollar verkauft, die gleichen Songs, die auf einer Deluxe-Buddha-Bar-CD remixt wurden, kosten im Westen etwa 50 US-Dollar. [1]

Challe hat die ersten beiden Buddha-Bar-Alben zusammengestellt und produziert. Die Serie wurde danach mit verschiedenen DJs fortgesetzt, darunter DJ Ravin, Sam Popat und David Visan (Sohn des Gründers von Buddha Bar, Raymond Visan). [6] Die Buddha Bar hat auch einige Originalmusik für ihre Alben veröffentlicht, insbesondere die Songs "Buddha Bar Nature" und "Buddha-Bar Ocean", komponiert und produziert von Arno Elias, dem Komponisten von "Amor Amor" aus Buddha Bar 2 , und Amanaska. Diese Veröffentlichung enthielt eine DVD mit Natur- und Meeresaufnahmen unter der Regie von Allain Bougrain-Dubourg.


Kommerzielle und bleibende Romantik

Louis Armstrong hat "La Vie en Rose" zu einem seiner Signature-Songs gemacht. So unterschiedliche Künstler wie Grace Jones, Josephine Baker, Bing Crosby, Iggy Pop, Donna Summer und Andrea Bocelli haben es aufgenommen. Texte wie "Wenn du mich an dein Herz drückst / Ich bin in einer Welt für sich / Eine Welt, in der Rosen blühen / Und wenn du sprichst, singen Engel von oben / Alltägliche Worte scheinen sich in Liebeslieder zu verwandeln / Gib dein Herz und deine Seele zu mir / Und das Leben wird immer la vie en rose sein" sprach nicht nur das vom Krieg heimgesuchte Paris an, sondern auch Überlebende und Menschen überall, die sich der romantischen Vorstellung von Liebe verschrieben haben. (siehe Referenz 4)


Eartha Kitt

Sechs Jahrzehnte lang war die amerikanische Entertainerin Eartha Kitt, die im Alter von 81 Jahren an Darmkrebs gestorben ist, eine Naturgewalt des Showbusiness. Angefangen als Tänzerin war sie bald auf der Bühne und im Tonstudio zu Hause, und während ihr natürliches Medium Kabarett blieb, trat sie auch in Filmen und im Fernsehen auf. Ihre sinnliche, katzenartige Präsenz war außergewöhnlich genug: Ihre Wirkung wurde dadurch verstärkt, dass sie eine ausgesprochene Afroamerikanerin war, die neue Wege beschritt.

Ihre offiziellen Geburtsdaten wurden erst 1997 festgelegt, als sie eine Gruppe von Studenten herausforderte, die Urkunde zu finden, die sie als Eartha Mae Keith in der Stadt North, South Carolina, geborene. Der Name, den sie für ihren Vater hatte, war William Kitt. Er war ein weißer Pächter, der Earthas Mutter verlassen hatte. Die mittellose schwarze Cherokee-Frau überredete schwarze Nachbarn, Eartha und ihre jüngere Halbschwester Pearl aufzunehmen. Pearl war dunkelhäutig und hübsch, aber Eartha hatte buschiges rotes Haar, das sie später färbte, und hellere Haut, die sie "dieses Yella-Mädchen" nannte.

Schließlich schickte ihre Tante, Mamie Lue Riley, nach ihr, als sie acht Jahre alt war, und gab ihr ein Zuhause im puerto-ricanisch-italienischen Teil von Manhattan. Ihre Beziehung war schwierig, aber Mamie bezahlte den Klavierunterricht für Eartha und baute Ersparnisse auf, von denen sie erst später wusste. Eartha glaubte, dass sie wirklich ihre leibliche Mutter war.

Im Süden hatte Eartha bereits die örtliche Kirchengemeinde mit ihrem Gesang beeindruckt. In der Schule in New York gewann sie mit ihrem Talent zum Vorlesen Respekt und Popularität, und sie hatte das Glück, Lehrer zu haben, die sich wirklich für sie interessierten. Auch bei den lokalen karibischen Tänzen kam sie gut an, wo sie Routinen aufnahm, die ihr nicht nur als professionelle Entertainerin zugute kamen, sondern auch ihre Kollegen amüsierten, wenn sie Fabrikjobs annahm.

Kurz nach ihrem 16. Geburtstag sprach sie mehr oder weniger zufällig für die Katherine Dunham Dance Troupe vor, deren Stil auf afro-karibischer Folklore basierte. Sie gewann ein Vollstipendium, um Ballett sowie Dunhams eigene Technik zu studieren, und ihr erster Auftritt am Broadway war das Tanzen in Blue Holiday mit Ethel Waters und Avon Long. Dunham erzählte "Kitty", dass sie nie eine richtige Tänzerin werden würde, weil ihre Brüste zu groß waren, wählte sie jedoch für die Truppe, die zunehmend durch die USA, Mexiko, Südamerika und Europa tourte, Kitt übernahm Solorollen, sang und tanzte. und machte ihr Filmdebüt, ohne Abspann, in Casbah (1948).

Als die Firma Dunham in Paris war, wurde Kitt ihr erstes Nachtclub-Engagement bei Carroll's angeboten, dessen beeindruckende lesbische Besitzerin Fred den Kellnerinnen sagte: "Dieser darf nicht angerührt werden." Kitt behauptete später, dass sie zu dieser Zeit keine nennenswerte Handlung hatte, obwohl sie im Club gewesen war und Juliette Grécos Show gesehen hatte. Doch sie wurde schnell zu einer Sensation, und als Carroll einen neuen Club, Le Perroquet, eröffnete, war Kitt die Hauptattraktion, mit Liedern in Englisch, Spanisch und Französisch, die sie mit Hilfe des kubanischen Bandleaders vorbereitete. Als sie zum ersten Mal C'est Si Bon sang, vergaß sie die Worte und lud sie mit einem solchen Erfolg ein, dass sie ihre erfundene Liste von Begehren wiederholt wiederholte, "Nerzmantel, großes Cadillac-Auto" und so weiter, bis ans Ende ihrer Tage.

Zwischen den beiden Clubengagements wurde Kitt von Orson Welles als Helen of Troy in seiner Bühnenversion der Faust-Geschichte Time Runs (1951) besetzt, in der er mit Micheál MacLiammóir und Hilton Edwards teilte, was Welles selbst im Rampenlicht stehen könnte. Wenn Welles sie für "die aufregendste Frau der Welt" hielt, dachte Kitt später, dann, weil sie nie zusammen ins Bett gingen. Er aß, sie sah zu, wie er redete, sie hörte zu. Sie war immer eine Bewunderung großer Männer und unternahm beträchtliche Anstrengungen, um Albert Einstein und Jawaharlal Nehru zu treffen.

Nach Le Perroquet war Kitts nächstes Nachtclub-Engagement im kosmopolitischen Karavansari in Istanbul. Dort lernte sie eine Reihe türkischer Lieder nach Gehör, darunter Usku Dara, das sie später als ihre erste Single für RCA Victor aufnahm. Als sie im La Vie En Rose in New York eröffnete, behauptete sie, in sieben Sprachen zu singen. Trotz einer einfallsreichen Kampagne von Zeitungsanzeigen mit der Aufschrift "Lernen Sie, 'Eartha Kitt' zu sagen", war sie kein Erfolg, und ihr zweiwöchiger Vertrag wurde nach sechs Tagen gekündigt. Was auch immer schief gelaufen ist, der Verlust von La Vie En Rose war der Gewinn des Village Vanguard, und ein kurzes Engagement im Schwesterclub The Blue Angel wurde auf 25 Wochen verlängert. Sie wurde vom Produzenten einer alteingesessenen Musical-Revue entdeckt. Für New Faces of 1952 sang sie Monotonous, während sie katzenartig von einer Chaiselongue zur nächsten kroch. Danach fiel es Kitt schwer, auf mindestens ein solches Möbelstück zu verzichten, und für eine Royal Variety Performance in den 1960er Jahren trat sie darauf durch die Bühnenfalltür auf. Kitt wurde der unbestrittene Star von New Faces, und eine Filmversion folgte 1954. Am Ende des Jahres spielte sie in Mrs Patterson, ihrem ersten großen Broadway-Erfolg, und verliebte sich in Arthur Loew Jr, den Erben einer Kette von Kinos. Die Gefühle waren gegenseitig, aber aus der Affäre kam nichts, weil seine Mutter dagegen war.

In London war Kitt Anfang der 1950er-Jahre kurz bei Churchill aufgetreten, aber mit ihrem Auftritt im Café de Paris kam sie wirklich an, in einem von Pierre Balmain entworfenen aquamarinen Seidensatinkleid. Lord Snowdon hat sie fotografiert.

Die 1950er Jahre waren das goldene Jahrzehnt von Kitts Plattenhits. Nach Usku Dara kamen unter anderem Monotonous, I Want To Be Evil und Santa Baby, die das Image eines neckenden, sich selbst verspottenden Sexkätzchens begründeten. Sie nahm 1955 Just an Old Fashioned Girl auf, das Lied, das in Großbritannien zu ihrem Markenzeichen wurde, aber Donnerstags Child und The Day That the Circus Left Town, die kurze Zeit später aufgenommen wurden, sagten mehr über sie aus.

Es gab viele Versuche, Kitts außergewöhnliche Stimme zu beschreiben. Kenneth Tynan hat es falsch verstanden, als er von ihrem Vibrato sprach, denn sie benutzte es kaum. Obwohl sie für besondere Effekte ein Zittern kultivierte, war ihre Tonhöhe bemerkenswert sauber, und sie beugte sie, sehr oft scharf, mit langsamer Überlegung. Sie sagte, sie verstünde alles, was ihre Stimme vermochte und was nicht. Sie spielte ein kiesiges Brustregister gegen ein gurrendes Falsett, und während sie seinen Klang genoss, experimentierte sie mit verbalen Verzerrungen.

Kitts unverwechselbarer Stil machte es ihr schwer, ihre Karriere zu entwickeln und zu diversifizieren. Wenn sie nicht zu 100% sie selbst war, fühlte man sich betrogen. Doch sie hat nie aufgehört, es zu versuchen. Zu ihren Filmen gehörten Mark of the Hawk (1957), St Louis Blues (mit Nat King Cole, 1958), Anna Lucasta (mit Sammy Davis Jr, 1959) und Saint of Devil's Island (1961), Synanon (1965) und Dragonard (mit Oliver Reed, 1987). Abgesehen von vielen prominenten Auftritten im Fernsehen fand sie eine Rolle wie maßgeschneidert - Catwoman in Batman (1967-68). Sie spielte weitere Rollen am Broadway, in Shinbone Alley (1957) und Timbuktu (1978), einem komplett schwarzen Musical, das auf der Hit-Show Kismet basiert. In London spielte sie Mrs Gracedew in Henry James' The High Bid (1970) und die Titelrolle in Bunny (1972).

1988 führte ihr Auftritt in Sondheims Follies im Londoner Shaftesbury Theatre - sie verbrachte die meiste Zeit elegant in einem langen Nerzmantel posiert, bis sie die Show mit I'm Still Here beendete - im folgenden Jahr zu ihrer ersten One-Woman-Show, Eartha Kitt im Konzert. Sie tänzelte mit drei Toyboys herum und war so geschmeidig wie immer und sogar noch übertriebener. In Manchester versuchte sie es sogar mit Panto, als Geist der Lampe in Aladdin.

Ebenfalls 1989 erschien ihre Autobiografie I'm Still Here: Confessions of a Sex Kitten. Es erzählt und aktualisiert ihre früheren Memoiren, von denen der erste Band, Thursday's Child, 1956 veröffentlicht wurde, ein zweiter, Alone With Me, folgte 20 Jahre später. I'm Still Here endet mit Kitts Kampf um die Ehe ihrer einzigen Tochter Kitt, von der sie sehr besitzergreifend war. Ihre eigene Ehe mit Kitts Vater Bill McDonald im Jahr 1960 hatte nur fünf Jahre gedauert.

Kitt machte keinen Hehl daraus, dass das, was sie nach der Liebe zu ihrer Tochter am meisten brauchte, der Applaus des Publikums war: Ich habe einmal gesehen, wie sie im New Theatre in Oxford alles in ein praktisch leeres Haus gegeben hat , eine Wochentag-Matinee.

Sie sah aus, als hätte sie ihr amerikanisches Publikum fast verloren, nachdem sie Lady Bird Johnson verärgert hatte, indem sie 1968 bei einem Mittagessen im Weißen Haus ihre Meinung über den Vietnamkrieg geäußert hatte. Die CIA beschrieb sie als "sadistische Nymphomanin". Amerikas vorübergehender Verlust war Großbritanniens Gewinn, da Kitt Varieté-Clubs im Norden Englands bereiste. Am entgegengesetzten kulturellen Extrem hatte sie zwei außergewöhnliche Konzertauftritte in London mit Richard Rodney Bennett als Pianist und Arrangeur und dem Nash Ensemble, wo sie Lieder von Kurt Weill, Cole Porter und anderen amerikanischen Standards sang.

Kitts gelegentliche Versuche, mit der Zeit zu gehen - sie tauchte sogar in Disco-Funk ein - hatten qualifizierten Erfolg. 1984 war sie mit Where Is My Man und I Love Men wieder in den Charts. Sie brauchte sich nicht zu aktualisieren, und ein Live-Mitschnitt eines Konzerts, das sie 1992 mit Jazzmusikern in Wuppertal gab, zeigt, dass ihr ein straffes Format am besten gegeben war - nie besser als in den makellosen Arrangements von Henri René und seinem Orchester früher. Ein Album namens I'm Still Here erschien im selben Jahr wie das Buch, und 1993 veröffentlichte Rollercoaster eine Compilation mit fünf CDs, die ihr gesamtes bisheriges Repertoire repräsentiert. Ihr Album Back in Business (1995) hat sich um das Universelle bemüht, indem sie alte Favoriten von Porter, Rodgers und Hart, Duke Ellington und Weill, ganz zu schweigen von Henry Mancinis Moon River, in hochproduzierte, üppige Jazz-Arrangements kleidet. Einer der unkomplizierteren ist der Klassiker der Depression der 1930er Jahre, Brother, Can You Spare a Dime? Mit dem Trotz, der sie nie verlassen hat, klingt Kitt vor lauter Wut wahr.

Im Jahr 2000 lieferte sie die Stimme von Yzma für die Disney-Animation The Emperor's New Groove und ließ sich von der Diagnose ihrer Krebserkrankung 2006 nicht abschrecken Sie sagte ihrem Publikum: "Ich bin vielleicht 80, aber ich brenne immer noch", und ihr Auftritt beim Cheltenham Jazz Festival im vergangenen April wurde auf DVD festgehalten. Ihr letzter Konzertauftritt fand im Oktober mit dem Virginia Symphony Orchestra statt, danach trug sie zu einem TV-Special bei, das im Februar auf dem amerikanischen Sender PBS ausgestrahlt wurde.

Sie hinterlässt ihre Tochter und ihre Enkel.

Eartha Mae Kitt, Sängerin und Entertainerin, geboren am 17. Januar 1927, gestorben am 25. Dezember 2008


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Viva 'La Vie Bohème'!: Eine mündliche Geschichte der Miete Akt 1 Finale

Wir erheben unser Glas, verwetten Sie Ihren Arsch, auf La Vie Bohème.

Mit diesem unsterblichen Toast eröffnet Mark Cohen das Finale von Akt 1 von Miete, die fröhliche, mitreißende Hommage an das böhmische Leben, die eine der verblüffendsten Zusammenstellungen von Kiss-off-Texten und einer Auflistung kultureller Referenzen ist, die jemals vertont wurden.

Seit den frühesten Lesungen des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Musicals war “La Vie Bohème” Teil der Feierlichkeiten, die näher an der Tat (und einem sehr ereignisreichen Heiligabend) waren. Es entwickelte sich, als Jonathan Larson die Show von Entwicklungsinszenierungen über Off Broadway bis Broadway gestaltete, aber der Song blieb immer ein wesentlicher Bestandteil des Gefüges von Miete. Heute ist es zu einer ikonischen Hymne für Theaterkinder und alle außerhalb des Mainstreams geworden.

Zu Ehren der Mieten’s Jubiläumsjahr haben wir einen Großteil des ursprünglichen Cast- und Produktionsteams angerufen, um herauszufinden, wie diese Ode an das Wir-Sein ausnahmsweise in die Annalen der Musiktheatergeschichte eingegangen ist.

Dem Rahmen der Originaloper folgend,La Bohème,Miete beendet seinen zweiten Akt mit “La Vie Bohème.” Als Produktionsteam und Besetzung zusammengestellt wurden, machte der Song mit seiner schwindelerregenden Liste an kulturellen Bezügen, der rohen Sprache und den zungenverdrehenden Texten einen großen Eindruck.

MICHAEL GREIF (Regie): Das erste Mal, als ich Songs aus der Show hörte, war in einem Flugzeug, und ich war sehr aufgewühlt von dem vielen Material.

BILLY ARONSON (Mitschöpfer und Dramatiker): [In La Bohème, Rudolfo] geht im zweiten Akt nach draußen, um am Heiligabend alle seine Freunde zu treffen. Diese Szene war also im Stück. Ich gab [Jonathan Larson] einen Entwurf, in dem sie alle zusammen am Tisch saßen, sich alle trafen, aber das war seine Idee, diesen Song dort zu haben.

TIM WEIL (Musikalischer Betreuer): Jonathan hat die Originalpartitur in einer Notationssoftware ausgedruckt, und ich erinnere mich, dass ich mir diese Texte ernsthaft angeschaut habe, nur versucht habe, sie zu verstehen, damit ich sie verstehen konnte. Als ich herausgefunden hatte, was all diese Worte waren, sagte ich einfach: 𠇍ies ist einer der erstaunlichsten Listensongs, die ich je in meinem Leben gesehen habe.”

ARONSON: Von Beginn unserer Zusammenarbeit an dachte Jonathan Miete wäre "our generation&aposs Haar.” Und mir scheint, dass das Lied "La Vie Boh" von zum Teil inspiriert ist Haar, ihm fast Tribut zollen. Insbesondere Claude&aposs Song “Manchester England, England”, wo er all diese Namen fallen lässt.

ANTHONY RAPP (Mark Cohen): Im Herbst &apos94, als ich die Studioproduktion machte, ging ich am ersten Probentag nach Hause und hatte Kassetten mit Demos, die Jonathan Larson gemacht hatte. “La Vie Bohème” war einer davon. Ich war sofort komplett ohnmächtig.

MARLIES YEARBY (Choreographin): Feiern war das erste, was ich hörte, als ich zum ersten Mal “La Vie Bohème hörte.” Ich hörte eine echte Feier des Lebens, der Individualität, wer du bist.

RAPP: Zum ersten Mal zu hören 𠇊n Schwuchteln, Lezzies, Deiche, auch Crossdresser Für Menschen, die mit einer Krankheit leben, leben, leben, nicht an einer Krankheit sterben, ” es war wirklich wie ein Energieblitz, der aus meiner kleinen Ghettoblaster kam mich. Es war wirklich aufregend, dass ich Teil einer Show sein würde, die dies in der Welt verbreitete, zu einer Zeit, als die Leute solche Dinge nicht so kühn und freudig erklärten. Ich liebe einfach die Wiederaufnahme dieser Wörter, die als Beinamen verwendet werden.

DAPHNE RUBIN-VEGA (Mimi Marquez): Das waren Dinge, die wir vor allem sagten, und dann plötzlich blinzeln und [wir] es am Broadway sagen.

ADAM PASCAL (Roger Davis): Mein erster Gedanke war, “Wie sollen wir all diese Texte auswendig lernen?” Und dann war mein zweiter Gedanke: “I Don&apost weiß, was die Hälfte dieser Dinge bedeutet.”

GREIF: Eines der ersten Dinge, die ich tat, als ich mir die Texte wirklich ansah, war ein wenig Recherche über all die Leute, die als Inspirationen in dem Song genannt wurden.

WILSON JERMAINE HEREDIA (Angel Dumott Schunard): Ich war in dieser Zeit ein Clubkind, daher kannte ich viele Referenzen in dem Song, aber ich dachte, hier wäre ein Song, der mich zu 100 Prozent anspricht und ich mich einbezogen fühle.

RUBIN-VEGA: Ich kannte tatsächlich viele Referenzen. Es sprach mit einem multikulturellen Teil von mir. [Die erwähnten Clubs und dergleichen] waren tatsächliche Orte in der Geschichte, von denen ich Erfahrungswissen hatte. Deshalb wurde ich eingestellt. Ich wurde nicht eingestellt, weil ich der Beste war. Ich wurde eingestellt, weil ich genau wusste, wovon sie redeten.

RAPP: Fast alle waren mir bekannt. Ich erinnere mich, dass 8BC eine war, die ich für mich selbst entdecken musste. Es gab ein ganzes Paket, das von unserem Dramaturg und Michael Greif und Jonathan zusammengestellt wurde.

WEIL: Wir haben tatsächlich ein großes Glossar erstellt, wie eine Handreichung, wer all diese Leute waren, was all diese Dinge sind, [warum sie] wichtig sind, und die einzige Person oder Sache, die ich kannte, war das Wort "Quotentropie".

FREDI WALKER-BROWNE (Joanne Jefferson): Jonathan hat uns die Referenzen gegeben. Er hat alles aufgeschrieben. Er war unglaublich. Er hatte eine ganze Hintergrundbibel für uns. Das habe ich noch irgendwo. Es waren die Hintergrundgeschichten aller Charaktere, alle Referenzen in “La Vie Bohème.”

RAPP: Ich erinnere mich, während des Probenprozesses, als ich durch New York fuhr, auf U-Bahn-Plattformen war und einfach die Texte durchging, während ich auf den Zug wartete.

Ursprünglich war “La Vie Bohème” noch länger als jetzt, und der zweite Akt endete mit “I Should Tell You."

GREIF: “I Should Tell You” war das Finale des ersten Akts, als ich mir das Drehbuch zum ersten Mal ansah.

WEIL: Die Entwicklung war im Grunde genommen, dass sie “La Vie Bohème” machten und dann “I Should Tell You,” und dann gab es eine kleine Mark-Erzählung, eine kleine Art Epilog.

GREIF: [Wir] erkannten, dass wir “I Should Tell You” in “La Vie Bohème” einfügen mussten, damit der Akt wirklich mit dieser Art von Freude endet. 

WEIL: Jonathan ging, “Let&aposs setzte die ersten drei Viertel von ‘La Vie Bohème’ und foldete in ‘I Should Tell You.’” “I Should Tell You” war tatsächlich wesentlich länger es gab eine extra Strophe, der Refrain war doppelt so lang. Ein Teil meiner Aufgabe war es, es wie ein Zwischenspiel in einem viel größeren Paket erscheinen zu lassen, aber immer noch ein Song für sich. Jetzt ist es ein einziges Stück, im Gegensatz zu einem wirklich großartigen Song und dann einer Liebesballade und dann einem Epilog.

GREIF: Es gab viele, viele weitere Verse, an die ich mich sogar erinnern kann.

WEIL: Es gibt einen verlorenen zweiten zusätzlichen Vers, den ich besitze. Als wir in China waren, mussten wir wegen der Zensur einige der “La Vie Bohème”-Texte herausnehmen, und ich habe sie tatsächlich durch einige der Texte aus dem geschnittenen Vers ersetzt. Sie waren nicht so grafisch oder explizit.

GREIF: [Cutting it down] war eine wundervolle Kombination, von der eine dieser Inspirationen Jonathan am meisten bedeutete und Jonathan auf viele Arten zu verstehen gab, dass weniger mehr sein kann.

WEIL: Es gab einen Hinweis auf Nirvana.

RAPP: Ich erinnere mich, dass Cannabis Citiva eines der Dinge auf der Liste war, Baudrillard, Derrida, Bertolt Brecht. Es war nur eine weitere Liste von Dingen.

Die Besetzung versammelt sich um eine lange Reihe von Metalltischen, und angeführt von Mark beginnen sie, “La Vie Bohème” Tribut zu zollen, um Benny und die dort essenden Investoren zu beleidigen. Als Mark zu singen und zu tanzen beginnt, folgen die anderen.

GREIF: Das Konzept war sehr viel das Letzte Abendmahl. Da es sich um eine simulierte Totenwache für den Tod von La Vie Bohème handelt, schien dies angemessen zu sein. Unsere wundervolle Choreografin Marlies Yearby fand eine wahre Freude allein an der Präsentation dieses ersten Bildes.

RUBIN-VEGA: Das ist die Marke Michaela, die aus diesem Metall oder einem industriellen Ort baut. Es ging um die Möbel, es ging um uns und das war sehr befreiend.

WALKER-BRAUN: Es ist so viel Ausstellung wie alles andere. Es passiert so viel in der Geschichte, die durch dieses Lied enthüllt wird.

GREIF: Ein Großteil der anfänglichen Inszenierung drehte sich darum, Punkte für Benny&aposs zu machen. Es war ein wenig Gefahr und ein wenig Mut im Spiel, bis er besiegt wurde, und dann gab es nur eine Feier seiner Niederlage.

JAHR: Der Gestentanz an der Spitze des Liedes, das ich “The Dis Dance" genannt habe. Es ist inspiriert von der Arbeit des Graffiti-Künstlers Jean Basquiat und der Dada-Bewegung. Es ist etwas, was sie alle tun. Jeder kennt es ein bisschen wie die Hektik. Als erstes müssen wir Benny mitteilen, dass wir die Dis-Tanz machen werden.

WALKER-BRAUN: Es fühlt sich organisch und spontan an, aber es ist so strukturiert und so bewusst.

JAHR: Wenn Sie sich die Schulterbewegungen oben ansehen, würden Sie sehen, dass [Idina Menzel, die Maureen Johnson spielte] es nie richtig macht … Aber das ist für mich brillant. Ich habe nie versucht, sie zu 100 Prozent richtig zu machen, weil sie eine organische Art hatte, einfach sie selbst zu sein. Es fühlte sich so vollkommen echt an. Ich wollte Perfektion.

GREIF: Es war wirklich die beste Gelegenheit für Anthony, eine gute Zeit zu haben, wenn er so viel von der Musik verbringt, sich Sorgen zu machen und sich Sorgen zu machen und sich um alle zu kümmern. Es war seine Gelegenheit, wirklich loszulassen und ein wenig anzugeben. Viele dieser Inszenierungen kamen aus seiner wirklich wunderbaren und lebhaften Vorstellungskraft.

RAPP: Ich erinnere mich, dass ich auf dem Tisch aufgestanden bin und dann gerade mein seltsames spastisches Ding gemacht habe. Ich wandte mich an Marlies und fragte: “Kannst du mir hier raushelfen?” Und sie meinte: “Nein, tust du das.” Das war ermächtigend. Wenn Sie wollen, dass ich ein Spaz bin, bin ich ein Spaz.

JAHR: Ich wollte nicht den perfekten Tanzkörper. Anthonys Eigenart und sein Verhältnis zum Rhythmus waren natürlich sehr ausgefallen. Weil er in seinem Körper lebt, gibt es dieses kleine ruckartige, kantige, zuckende Ding, das er macht, wenn er singt. Ich habe daraus Kapital gezogen und die Choreografie an diesen Ort gezogen. Ich habe seine natürliche, unkonventionelle Art, sich zu bewegen, gefördert und liebe es bis heute, wie seine Art sich zu bewegen den Charakter von Mark prägte.

PASCAL: Die Dinge, die wir alle synchron machen, bevor wir auf den Tisch steigen, mit den Schultern und dem Zeigen, all das wurde von Marlies choreografiert. Aber sobald wir alle oben an den Tischen waren, war das alles eine Art Freestyle.

JAHR: Tanzen auf dem Tisch ist selbstverständlich. Es ist eine Rebellion. In einem Café auf dem Tisch zu tanzen, verschiebt definitiv die Grenzen des sehr Konservativen. Sie sind nicht konservativ, wenn Sie auf den Tisch springen und tanzen.

RAPP: Im Laufe der Entwicklung begann sie, die Gipfel und Täler zu formen und zu formen, wie wenn die Menschen hoch oder niedrig waren, aber vieles davon sollte unser physischer Ausdruck dafür sein, wie wir uns zur Musik bewegen.

HEREDIA: Sie hat dir keine Bewegung auferlegt. Sie sagte: „Wie fühlen Sie sich dabei? Sagen Sie mir, was Sie bei diesem Geräusch tun.” Okay, wir müssen von hier aus kommen, von der Bühne direkt in die Bühnenmitte, wie&apossoll es da durchkommen?


Henry Anslinger und das Federal Bureau of Narcotics

In 1939, after singing her song “Strange Fruit,” Holiday received a warning from the Federal Bureau of Narcotics, a government agency which lasted from 1930 to 1968, to never sing the song again. Holiday refused and kept singing the song.

FBN commissioner Harry Anslinger believed Holiday to be the symbol of everything that America had to be afraid of.

“She had a heroin addiction because she𠆝 been chronically raped as a child and she was trying to deal with the grief and the pain of that,” Johann Hari, who wrote the book Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs, told WNYC. 𠇊nd also, she was resisting white supremacy. And when she insisted on continuing on her right as an American citizen to sing &aposStrange Fruit,’ Anslinger resolves to destroy her.”

Anslinger was a widely known racist and made it his mission to take Holiday down for her drug and alcohol addiction and relentlessly pursued her all the way up until her death in 1959. 


The Deck at Island Gardens Arrow

Situated on the super-yacht marina on Watson Island about 15 minutes from South Beach, this spot is al fresco perfection. You've got views of Miami's downtown skyline far off, views of luxurious yachts up-close, and all is surrounded by azure water. It's basically the opening shot of every 2000s music video set in Miami. The brunch buffet is a family friendly standout. Its Mediterranean-influenced spread comes in at $65 per person, and offers multiple stations stocked with a variety of hot and cold plates. At the breakfast station you'll find made-to-order omelets and pancakes, and at the carving station hearty cuts of rib eye, roasted chicken, and salmon filets. The salads are fresh and creative, like roasted eggplant drizzled in tahini, sprinkled with pomegranate seeds, topped with tabouli, and mixed with marinated vegetables. The massive dessert display has dainty cupcakes, multi-layer cakes, pies, and brownies.


Schau das Video: La vie en rose


Bemerkungen:

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  3. Meztigami

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    Analoga gibt es?



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